BY Aldo Menédez | AUGUST 10, 2014

ArtMedia Gallery, Miami

Todos lo llaman "La cebra", un edificio en pleno Arts District de Wynwood, que ocupa casi dos manzanas, con la fachada decorada por una cambiante geometría angulosa de franjas negras y blancas, ante la que nadie queda indiferente, sitio poblado de galerías de arte y boutiques, en cuyo corredor central se localiza Art Media Gallery. Esta es expresión de los deseos de Gady Alroy, un diseñador e impresor digital, que, sin dejar de serlo, llegó de Venezuela, estableciéndose aquí hace tres años como marchante especializado en fotografía.

Alroy, nacido en Israel, explica que la favorable evolución del proyecto ha sido posible también gracias al apoyo recibido del conocido artista visual José Antonio Navarrete, quien asumió la tarea de curador permanente; y de Renée -esposa de Gady-, entregada a la promoción de la galería, al igual que del taller digital donde distintos artistas encuentran los medios idóneos para enriquecer su trabajo. Reino en que Gady demuestra su dominio de estas artes, que le ha valido el premio internacional de la mundialmente conocida empresa Hahnemühle de Alemania.

En la sala principal se despliega la exposición The Opa-Locka Effect, perteneciente al artista cubano Jorge Sánchez, con título en fotografía otorgado por la Florida International University, que intenta hacer comprensible al espectador un paisaje poblado de naves y edificios industriales de la zona norte de Miami. Se trata de encontrar la otra poética que tipifique los desarrollos funcionales que aportan a la región un nuevo ornato racionalista -constructivista o productivista-, muy distante de la típica belleza de la construcción civil y morisca que introdujo el pionero de la aviación y urbanizador Glenn Curtis en esa ciudad de Opa-Locka.

La obra de Sánchez, a la vez que una descripción sociocultural, resulta un homenaje al ensayo Las torres de extracción, que comenzaron a realizar Bernd y Hilla Becher desde mediados de los años 1960, proyecto fotográfico todavía sin terminar que estableció unos parámetros específicos a la hora de abordar la arquitectura industrial. Apropiación a partir de la que Sánchez se atiene a colocar la cámara de modo que tome el objeto de manera completamente frontal, con un horizonte lineal, plano y sin rol dramático para la luz.

Afincado en la tradición de la fotografía documental, Sánchez navega entre las artes tecnológicas y determinado enfoque minimalista, adherido a las reglas de las tipologías técnicas, apostando por una sistematización casi científica que valida el principio: "la forma está sujeta a la función".

Al penetrar en el salón de exhibición del taller, es la obra personal de José Antonio Navarrete, la que se revela a través de un repertorio titulado What Images Can Do, con piezas que expresan dominio de la visualidad y las referencias, por encima de los planteamientos técnicos. Navarrete organiza un sistema de señales que se definen en signos de identidad concebidos frente a contextos seleccionados durante viajes de trabajo por distintos países, entre el 2012 y el 2014 (el monumento cósmico de Joaquín Torres García en Montevideo, un café de Buenos Aires, un hotel en Ecuador, un mirador en Valparaíso, etc.). En ellas los objetos que acompañan al viajero, entran en escena para establecer de ese modo presencia humana, accionando e interviniendo en el entorno (unas gafas fuera de foco indican algo en el Central Park de Nueva York, el fragmento de una maleta olvidada que rompe la armonía de un sitio histórico en Dominicana, la casual interferencia en el encuadre de una mano enguantada, frente al Obelisco de Washington, etc.).

Un trabajo conceptual minuciosamente elaborado, con el que Navarrete logra que sus intrusiones nunca parezcan manipulaciones, buscando trasmitir la sensación de foto directa, sin filtro, y sin ningún otro aditamento. En cualquier latitud en que se encuentre, Navarrete escudriña poco a poco la locación, fotografiándola durante días, entre otras cosas, a la caza de integradores cielos plomizos y atmósferas que conectan las imágenes entre sí, articulando el discurso.

Lo mejor y coincidente de estas propuestas radica en el estar al día sobre el terreno, sirviéndose de una cámara para sensibilizar nuestra percepción, jugando con el potencial serial y secuencial de la fotografía, desde actitudes analíticas de la propia naturaleza del arte.

Aldo Menéndez es pintor, crítico de arte y curador, artsituation@gmail.com y www.aldomenendez.com

Art Media Gallery, 2750 NW 3rd Ave., Suite 12, (305) 318-8306. Hasta el 7 de septiembre.